こんにちは、ひろみです。
（写真はモーツァルト フルートとハープのための協奏曲 の本番に参加したもの。名曲ですね！！）
音楽をつくる（ここで扱うのは歌いかた、フレーズの自然な作りかたの話）って1人で練習しているとわからないことが多く出てくること、あると思うんです。そんなとき周りや指揮者、楽器の先生などにアドバイスを求めたりすると思うのですが、そんな時に 才能とか発想とか感覚とかセンスとか雰囲気とかわかるようでわかりにくい感覚的な言葉で片付けられてしまってどうしたらいいのか結局わからない・・・なんてことってありませんでしたか？
確かにその要素はあると思いますが、どちらかというと時間をかけて育てていきたいもの。「自由に歌って〜」と言われた時にこんな感じかなぁ？と迷いながら演奏する自分から、その音楽に沿った自由がの中で演奏できるようになるというのはなんとも気持ちの良いものだったりします。周りとの関係性もグッと近くなるでしょう。
そんな演奏を目指したいと思った時に、もっと音楽を勉強したいと思った時に思いつくのが理論の勉強やソルフェージュ。めっちゃ大事だと思います！！やれるのであれば皆さんにやってほしい！！ただ、日々の音楽ライフの中で、練習時間の確保だって大変な方も多いと思うのです。
そんな方にオススメしたいのがバロック時代の音楽。幸いオーボエにはたくさんの曲が残されています。有名どころでバッハ、ヘンデル、テレマン、ヴィヴァルディなど。美しいオーボエソナタもたくさんありますし、技術的にも難しいものから易しいもの、叙情的なものや技巧的な要素の多いもの、調性も様々、転調もあったりと自分の求めたいものを育てるのにはこんなにいい教材はありません。何よりどの曲も素敵！！是非やってみたい、素敵だと思える曲に取り組みながら音楽のルールを実践的に学べるなんていいと思いませんか？
この時代の音楽には必要最低限しか譜面上に指示してある記号がありません。だから、ただなんとなく吹いても曲としての説得力は皆無。ただ書いてあることを守るというところから踏み込んで調整の移り変わり、フレーズのつくりかた、同じブレーズをどう演奏するかの検討、通奏低音との関係などから「あるべき姿」を知る必要が出てくるのです。と同時に演奏習慣を身に付けたい。終止形の演奏のしかた、繰り返すことの意味、テンポの設定などなど。
音楽を自分で組み立てることを演奏しながら学んでいくことで、その時代から発展した時代の音楽についても歌いかたは大枠決まってきますし、そうでないことの面白さが見えてきたりもするんです。
もっと時代が進んでいくと、今度は演奏習慣も含めて楽譜へ書いてあることが多くなってきます。音楽をつくることを理解していると、楽譜に書かれていることが演奏習慣（書いてなくてもやるよね？的なこと）なのか、そうでない面白さなのか、より際立たせたいことなのかが見えてくるようになってきます。
時代はちゃんと繋がっているのです
ある特定の時代の音楽が好きなのもいいのですが、その中に受け継がれている音楽のルール的なことを学んでみると楽譜の見えかたが格段に違ってきますよ！
生徒さんで3年くらい発表の場でバロックを演奏し続けながら勉強されている方、はじめは歌いかたなんてわかりません、頭の中は空白で音を並べてしまっていた演奏だったのが（本人談。もちろんレッスンで整えれば綺麗に歌えるのですよ。自分でつくっていく過程が、という話です）今ではとても自然に聴こえるようになってきて私の方が感動してしまいました。自然に聴こえる、ということがどれだけ技量のいることかは演奏する方ならわかっていただけるかと。
もしオーボエ以外の楽器を演奏される方で「自分の楽器はその時代のレパートリー無いからなぁ」と思われているのだとしたら勿体無い。チェロ、ヴァイオリン、チェンバロ、フルート、ファゴット、もちろんオーボエなどの曲をやってみませんか？音楽のつくりかたのご相談やアレクサンダーテクニークのご相談でしたら他楽器の方も大歓迎。お気軽にご相談くださいね。
